洛基恐怖秀 The Rocky Horror Picture Show

The Rocky Horror Picture Show 

 洛基恐怖秀

『《洛基恐怖秀》是電影史上最著名的cult film。

影片結合了恐怖片、歌舞片、科幻片與同性戀扮裝甚至吸血鬼的內容，

再加上搖滾樂和反社會常規內容的輔佐，受到社會不同階層人士的歡迎。』 註1

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*cult film 邪典電影:

不等於B級片/粗俗、做作、誇張的風格/多種元素的雜和

亞文化/自成體系/引領時尚/藝術電影都不能被稱為Cult Movie

（以上是大略的簡介，不過大家對於cult film的定義都略有不同。）

http://ent.163.com/06/0112/15/279EAVHS000300B3.html  (這篇網站有詳細的解釋)

我會知道這部片是因為看《Glee 歡樂合唱團》的關係，

《Glee》這部美國影集音樂以百老匯、流行音樂為主。

而在第二季的第五集的時候從新詮釋《洛基恐怖秀》的曲目。

當看到《Glee》的演出就相當吸引我，那些誇張絢麗的服裝造型，

還有那些曲調好聽，但歌詞卻沒有什麼邏輯的歌曲。

　《glee》所演出的　the rocky horror picture show

而這部電影確實的，劇情是沒有什麼邏輯性的。

雖然電影名稱有著恐怖兩個字，但一點也不，不過是有一點血腥。

『　描寫布拉德和珍納在暴風雨中汽車失事，他們進入奧亥俄州的一幢古堡中求救。

　　古堡主人佛特博士創造的科學怪人洛基正在完成階段，他倆各自追求闖進來的年輕情侶，

　　展開一連串不可思議的性愛歷險。

　　卻原來古堡是外星人的太空船，他們正在進行變性的實驗！　』註2

裡面的角色中我最喜歡的是博士Frank，他是一位天才博士，有易裝癖。

雖然他的行為荒誕至極，毫無道德觀念又自私。

但亦可以是男性及女性身分的他對眾人卻有著致命的吸影力。

男女主角皆擋不住他的魅力，明明兩人有婚約的約束，還是跟Frank博士上床。

雖然Frank博士看似極大惡人，帶領男女主角走入禁忌之中。

但他忠實於自己，對自己充滿著自信，而且他的歌聲也很棒！

Sweet Transvestite

我認為並不是每個人內在與外在一致的，他大膽得行為多少呈現每個人內在瘋狂又不可知的部分 。

我想，性別的定義只僅僅適合外在的身體，但並不能定義內心。

尤其是性別模糊的時代，女性擁有跟男性一樣的工作能力，男性也有自身的化妝品。

但社會化的制定約束了男女。

不得不說，馬甲以及網襪在他身上是那麼的適合且自在，甚至比女性還要性感。

在《Glee》第二季第五集後面，合唱團導師William對著成員說：

＂...it wasn't for envelope pursher,it was for outcasts,

people on the fringes who had no place left to go,

bur were searching for someplace,anyplace,

where they felt like they belonged."

(....不是給那些特意獨行的人看的，而是給那些被排斥的人看的。

那些人處在邊緣，無處可去，卻一直在尋找，尋找那個有歸宿感的地方。）

這部片雖然荒謬，但並不只是為了要跨越道德界線而叛逆，

而是因為人類本能、接近於野性的情慾，那種無法控制，被社會大眾所否認的部分發聲。

而在現今的美國，午夜電影仍然會播放這個電影，甚至形成的新的文化。

《洛基恐怖片》的影迷會穿著經典角色的服裝到現場觀看，

並且在電影院裡大聲叫喊、跟著電影的歌曲高唱、站起來跟著跳舞、狂丟爆米花且翻倒飲料。

這部片吸引社會各個不同階層的人觀看，並成為一種新的宣洩出口。

註1:http://movie.mtime.com/11253/

註2:http://movie.mtime.com/11253/

集屋出租 RENT

吉屋出租
搖滾音樂劇
改編自普契尼的歌劇《波希米亞人》
       
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這齣音樂劇紀錄了一群紐約客一整年的生活，

看他們如何在人際關係、失去、生命的意義、住所、以及愛滋病之間奮戰。

＊前面三對為情侶，紅色區為單身沒人要。

角色介紹（由左至右）：

Joanne／律師／Maureen的女朋友；

Maureen／表演藝術者／Mark的前女友；

Tom Collins／教授／身染愛滋病；

Angel／街頭打擊樂者／變裝皇后／患有愛滋病；

Roger／音樂家／曾經吸毒／身染愛滋病；

Mimi／舞者／毒癮／患有愛滋；

Benny／Mark和Roger的房東／討人厭的角色；

Mark／製片者／女友被同性戀搶走。

這部片原先是百老匯的音樂劇，在２００８年的９月結束百老匯最後一場表演。

我看得是電影的版本。

通常，由百老匯劇改編成電影，就代表演員會無時無刻開口唱歌，

甚至，連最簡單、用說還比叫快的句子都可以用唱的。

我很喜歡用唱還比講話多的電影，像是迪士尼的長篇動畫。

或者是像以前很紅的《歌舞青春》、《GLEE》等，

這種讓你會疑惑　「這樣突然唱不會很蠢嗎？」等類似影集都很吸引我。

而我會知道這部電影是因為國中合唱團曾唱過《Season  Of  Love》，

這首歌對合唱比賽或是表演來說，是時常被拿出來唱的曲目。

曲調簡單好聽，而且到高潮的部分有個特高的音，讓許多女高音的成員都想試試看。

season of love 

by Larson Jonathan D.

這首大慨是所有曲目中最有名的一首，

但是，在劇目中所有的、每一首歌曲都超級無敵好聽。

不僅如此，劇情是令人感動、勵志的。

劇情裡提起關於同性戀者、異性戀者、愛滋病等等問題。

以及在社會上屬於邊緣的人們，像是住在落魄邊疆的藝術家。

不得不佩服這位劇作家　強納生·拉森。

他為了這齣戲付出所有的心血，日夜不停的更動、修改劇本及曲目，

就在首演得當天，他因病而逝世，無法親臨現場觀看他的劇作。

他把許多自身的經歷融入自劇本之中，包括他曾經跟舞孃有過關係，

或是他染上愛滋，他身旁許多友人也因病而死去。

life  support song

But Gordon, how do you feel today?"
"What do you mean?"
"How do you feel today?"
"Okay"

"Is that all"
"Best I've felt all year"
"Then why choose fear?
"I'm a New Yorker"
"Fear's my life"

"Look, I find some of what you teach suspect
Because I'm used to relying on intellect
But I try to open up to what I don't know"

Because reason says
I should've died three years ago

No other road
No other way
No day but today

(Read more: RENT - Life Support Lyrics | MetroLyrics) 

這首歌用簡單的幾句話就足以表達所有的意義，

在之後其他的曲目中也可以聽到這首歌的旋律。

難以想像天天生活在畏懼之中，

害怕隔天你會離開這個世界，

能夠過完一天則都要心存感激。

＂No day but today＂　這句話強烈的提醒著我們。

La Vie Boheme

這首大慨是所有曲目中尺度最大的，

歌詞內容對我來說意義不明，包含所有的禁忌跟非主流行文化。

曲調輕快，演員誇張的姿體動作讓人喜歡，尤其是Maureen對著Benny露屁股的地方。

一首對所有反派文化致敬的歌。

這部我真的非常的喜歡，無論是它的劇情，或是角色演員的演技以及歌聲。

還有為了濃縮音樂劇而常常莫名開口唱歌的部分。

裡面每一個角色都擁有鮮明的個性，卻也有共同的部分，包括為生活、為理想奮鬥的精神。

雖然電影的版本被批評不如音樂劇般的精彩有生命力，但我想演員的歌生可以彌補這一切。

維基百科對這齣戲擁有詳細的說明（甚至所有的劇情都打上去了）：

http://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%90%89%E5%B1%8B%E5%87%BA%E7%A7%9F

不過強烈的建議，就去看吧！

Chaim Machlev 刺青

Chaim Machlev

在 DotsToLines 擔任 Tattoo Artist

• 現居 Berlin, Germany

www.facebook.com/DotsToLines

www.DotsToLines.com

        　　　　　

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                                    ＂在一些群體當中，刺青是一種勇氣的表現，

　                                    在黑社會幫派中，有時刺青普遍來說，也是入會考驗之一，

　                                    因此給人刺青是與黑道中人掛鉤的印象；

　                                    隨著社會風氣的開放，與身體展現的文化興起，

                                       大家逐漸能接受身體的表現型式，將刺青圖案視為藝術品。＂注1

之前，我以為刺青就等於是黑色繪的圖騰，或是對色情、暴力的象徵與崇拜。

但自從網路上看到這位刺青師傅的作品之後，對於刺青這件事徹底的改觀。

Chaim Machlev

他的作品是細膩的、華麗的。

就我目前對於他作品的認識，我分為兩種形式。

一種是比較像一般大眾所認知的刺青，圖騰形式的、或是具體圖案的。

而另一種形式是流線型的，橫跨身體部位的簡單線條。

我個人喜歡他這種型式的刺青，簡單、符合人體的肌肉線條，更能凸顯出人身體的曲線。

他的線條每一筆都是如此完美、乾淨、又漂亮。

雖然聽別人說刺青的過程是艱難的、痛苦到無法出聲。

不過，或許，能讓這位藝術家在身上刺個幾小時

而有這麼棒的作品陪伴一生，我會忍耐過去的。

但要能讓他刺青不太容易，他的店裡只有他一位刺青師傅，

在刺青之前你還必須寫信給他說明你為何想要刺青，什麼樣的圖案等等。

再他同意之後你才可以讓他刺青。

他對客人有些嚴格，但相對的，他對自己的作品也相當的要求。

注1：http://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%88%BA%E9%9D%92

Sol Lewitt 專題

Sol Lewitt    

(1)   Sol Lewitt的作品提出來的觀念有哪些?

       (他的意念在哪?為什麼要使用那些色塊或線條?)

(2)   介紹Sol Lewiit的作品。

         

(3)   相較於極簡藝術，Sol Lewitt認為他的作品比較偏向觀念藝術的條件是什麼?

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(1)   Sol Lewitt的作品提出來的觀念有哪些?

       (他的意念在哪?為什麼要使用那些色塊或線條?)

在Sol Lewitt的作品中，可以看出一種規律，在複雜中有一種簡單來貫穿，

在簡單中又以重複來複雜，這是受到極限主義影響，極限主義用稱基本構成，

帶著反瀾漫自然再現的創作，主張以理性的幾何線條打破過度感性的過度矯飾。

極簡主義發展後來有兩種方向，一種是朝向物體的本質，另一種則前往了思想的核心，

Sol Lewitt顯然是後者，他認為好藝術往往大道至簡，而觀念藝術的呈現把藝術單純到

一種想法的簡單呈現，他曾說過

「The artist may not necessarily understand his own art.

His perception is neither better nor worse than that of others.

（藝術家未必完全明白他自己的藝術。他的看法是既不比別人更好，也不更壞。）

「The artist's will is secondary to the process he initiates from idea to completion.

His wilfulness may only be ego.

（開始到完成，藝術家的意志是次要的，自我只是一種任性。）」

在呈現中捨去了個人化，以幾何線條或色塊呈現，最終要表達的並非絕對的理性，

「Conceptual artists are mystics rather than rationalists.

They leap to conclusions that logic cannot reach.」

（概念藝術家是神祕主義，而非理性主義，它是飛躍而非能以邏輯來思考的。）

這一切都只會為了表現背後的觀念，以及把詮釋藝術的權利，給予觀者。

(2)   介紹Sol Lewiit的作品。

索爾·勒維特（Sol LeWitt）作品展“Arcs and Lines”在紐約Paula Cooper畫廊展出。

 「所有具有改革意義的作品都將藝術與成為一件物品的條件分離開來，

並且將觀眾的注意力集中到清晰地闡述了思維的審美形式上。」

      在上世紀70年代及80年代早期，勒維特主要使用了直線、折線、虛線以及圓弧

      來創作作品，色彩選擇主要是黑色以及紅、黃、藍三原色。

      在這場展覽中展出的三件作品研究了被畫下的線條。在畫廊的前展廳中，

      分別包含了有色直線與圓弧的相同網格構成的作品（Wall Drawings #392，#393）

      被和諧地組合在一起。

 Wall Drawings #392，#393

　　這件作品“全是兩條直線、弧線以及折線隨意交叉、佈置的結合”，

　　因此牆面上呈現出150多個獨特的線條組合。

　　勒維特在他的藝術生涯中創作了一系列徹底改變且豐富了當代藝術定義本身的

　　牆畫作品。這些直接繪製在牆上、但與濕壁畫藝術有明顯區別的作品是對一種

　　觀點的暫時性表現。

(3)   相較於極簡藝術，Sol Lewitt認為他的作品比較偏向觀念藝術的條件是什麼?

　「Banal ideas cannot be rescued by beautiful execution.

       （平庸的想法不被美麗的表象拯救）」

　還給觀者想像與詮釋作品的權力，有時也意味著作品可以被任何人任意複製，

　除非，他的想法是特別的，無法複製的。

　如果作品本身是身體，那想法就是精神與靈魂所在，只要觀者願意探尋其核心，

　粗糙的呈現也會泛上金光。

Josef Alber 與 James Turrell 專題

Josef Alber 與 James Turrell 專題

 1) 這兩位藝術家各自的創作背景與創作媒介

2) 這兩位藝術家如何在作品中進行色彩的探究

3) 比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式

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 1) 這兩位藝術家各自的創作背景與創作媒介

　　Josef Alber一生致力於藝術教育，

　　他先後任教於德國包浩斯、美國黑山學院、哈佛大學、耶魯大學，

　　其中包浩斯的影響最為深刻，他在３２歲那年才當了包浩斯的學生，

　　並在畢業後於此任教，後來納粹因包浩斯太『不德國』，而將學校解散，

　　於是Josef Alber移民去了美國，

　　一併把包浩斯精神帶去，對美國與世界都有深遠影響。

　　而他的創作媒介與其說是用什麼方材料，不如說就是色彩本身，

　　也許是對於學習的熱誠，他對色彩研究非常深入，

　　並用不同色的方塊等距內縮，感受色彩與排列的變化。

　　James Turrell出生於高知識分子家庭，他在16歲那年就已經拿到飛行員執照，

　　並學習知覺心理學、數學、地質學與天文學。

　　他的家庭與受教程度對他的創作有很大的影響，他的作品以光作為素材，

　　他曾說『我將光當作一種材料， 但是感知才是我的媒介。

　　我希望你能看你所看，感你所感。』

　　，其中最著名的莫過於至今仍在繼續的「火山口」計畫，

　　將一個死火山口改造可見的天文台。

　　James Turrell的其他作品通常會將觀看者封閉在空間中，

　　控制光線使觀看者透過光線變化對環境有不同的感受。

2) 這兩位藝術家如何在作品中進行色彩的探究

　　Josef Alber眾所皆知的是他對視覺色彩研究的投入，並捨去繁複的繪畫形式，
　　將純粹與簡約帶入畫中。
　　他最為著名的是《向方形致敬》(Homage to the Square)系列，
　　他將不同色彩的方形以同心的方式內縮，呈現出相對位置與色彩的關係。
　　「他精確地計算了每塊顏色區域的面積，設計好他們之間的對比，
　　將顏色同樣不加調和地直接刮到畫布上，三個或是四個同心方由內向外擴展。
　　為達到色彩的精確性，他甚至記下了這些顏料的生產廠家和名稱在畫布的背面。」*1
　　對美國抽象藝術有著極度深遠的影響，
        也成為美國「歐普藝術」(OP Art)與「硬邊藝術」(Hard-edge painting)的先驅。

        James Turrell以光為材料，感知為媒介，由此可知色彩是為了創造觀看者的感覺，
        由於James Turrell曾經學習感知心理學，因此在創作上大量運用色彩與視覺營造錯視，
        由這美麗的錯誤中影響人的心理感受。

                                         3) 比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式

         Josef Albers 作品的展出方式如同他作品一樣純粹，整齊並列掛在牆上，
         是屬於一般美術館展覽的形式。
         他作品研就是非常嚴謹、細心的，
         有時畫作必須凝視非常久才能看出顏色之間的差異。

影片： http://vimeo.com/67600428

          James Turrell曾說：「有時候在觀看某些東西的時候，我會有點急躁。
          老實說，蒙娜麗莎在洛杉磯展出時，我只看了13秒。
          但是，你知道的，現在有一個慢食運動。或許我們可以來個慢藝術運動，
          花一個小時來欣賞作品。」


         「我的作品是創造一個空間讓光得以棲息，而觀者如何面對這個空間。
           通常，我們張著眼，卻對光線視而不見，這提醒了我，
           我們必須要有另一種觀看的方式。」*2

            James Turrell跟Josef Albers 作品觀看方式兩邊有個共通點，
            都必須長時間的凝視、觀看，才能體會出其中所隱藏的秘密。

            但不同的是，Josef Albers是平面的視覺，James Turrell則是必須走進去空間中。
            他的作品已經不再是觀看，而是去體驗。不只是眼睛去看整個空間，
            甚至可以在空間中隨意走動，讓身體去感受空間給你的感覺。

*1 引用於:http://blog.artintern.net/article/139538

*2 引用於http://www.mottimes.com/cht/article_detail.php?type=0&serial=857

Jackson Pollock 專題

1. Jackson Pollock的非具象繪畫手法是什麼?

 2.請選出Jackson Pollock的一件作品做分析。

  (藝術家的生活背景對創作的影響?

歷史對於創作者的影響有哪些?

以及針對藝術家在創作時的身體狀態等等加以分析。)

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1.

Jackson Pollock的創作手法是滴畫法，他用畫筆、或者是樹枝的枝條沾上顏料，

用手臂揮灑或是滴濺顏料，拉出線條或者是輪廓，而不是用筆碰觸到畫板。

也因此，畫作線條會因為他的移動速度和力道，而有不一樣的粗細程度，以及難以掌控的不規則感。

他選擇不將畫布固定在畫架上，而是鋪在地上，所以他在作畫時常需要靠走動來繪製作品，

也同時讓他更加接近畫布和他所揮灑出的成果。

有時，畫的角落會看到他的手印，卻沒有他的簽名。

他用掌印取代親筆簽名。如果是簽名的話，像是附加人為的符號在畫作上，

想向世人宣告所有權，而用掌印雖然也有相同的意義，

但比較不像是附加物，而是自然為作品的一部份。

2.

Jackson Pollock 在1951年的作品顏色是沉重的，有一部分系列的作品都以黑色顏料繪製。
這可能是因為他在此之前人生訊迅速達到巔峰而產生的後遺症。
突然各方媒體的注目帶給他壓力，一批畫廊爭相搶著要他的畫作，再加上個人對繪畫品質的要求。
原先不安穩的情緒加上壓力，只有繪畫與酒是他發洩的出口。
這幅畫上右方有兩個人，是具體的事物，我想這是他情緒的象徵。
用潦草的線條、滴料去勾勒人的形體，表達自己內心的不安、煩躁，
或者這是他另一種嘗試，甚至藉此來撫平他扭曲的內心。

後期的時候，他在原先抽象的繪畫上加上具象的事物，
好像又繞了一個彎回到具象創作，但手法、身體狀態和心理層面都讓他的畫作更具深度，
另一方面他也想要突破滴畫法的技巧。

這幅畫自由隨興的線條，是他及時完成的結果，
而不是先前畫過草圖、擬定好底稿的結果。
但相對於更早一些的畫，因為加入了具象的成分，所以在繪製時需要更多的考慮。

「雖然這一階段的畫作很像隨機事件的偶然發生，似乎所有的佈局與結構都是當下才決定的；

且作畫前他從不擬草稿或底圖。Jackson Pollock卻否認了意外的存在。

對他來說，每當創作一幅作品之前，腦中已想好大致方向．．．．．．

他宣稱這種創作哲學為”No Limits, Just Edges”。」*1

當他在畫巨型繪畫的時候，總是會繞著畫來回走動。
他在畫畫的同時，他全身都在運作，適度的運動更幫助他專注繪畫，同時讓他消耗掉許多負面的能量。
他酗酒的傾向，可能間接幫助他達到繪畫狀態，忘記世俗所有繁雜的事，
使他只需要專心畫圖，暫時舒緩緊繃的神經。


而他的作品名稱並沒有用具體的名稱，反而是用編號。
或許是因為他不願意賦予畫作太多的意義，只是記錄一系列的”實驗”。
也有可能是他在作品中投入太多的情緒，而不願意被發覺。

波洛克：「被動地接受這幅畫提供的意象，而不要先入為主地帶著主觀印象去尋找主題。」

波洛克的妻子克拉斯納說波洛克「以前會給他的畫進行傳統的命名，而現在只是對他們進行編號。

編號是中立的，他們使得人們把作品作為純粹的畫來對待。」*2

*1 引用自http://blog.sina.com.tw/22494/article.php?pbgid=22494&entryid=607458

*2 引用自 維基百科

聖誕廣告

最近聖誕節快到了！

英國的百貨公司John  Lewis 推出了新的廣告，

由Adam&Eve/DDB製作。

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最近朋友傳這部影片的幕後花絮給我看。

幕後花絮工程浩大，而且每一個部份都很細心。

https://www.facebook.com/photo.php?v=10151754342543016&set=vb.1407472136135299&type=2&theater

我喜歡以前手繪做出來的動畫。

我認為很多東西是機器無法取代的，

手工的才能帶有一份感情。

尤其是當製作者專一、專心的製作東西，

那樣的動作對物品注入的情感。

但現在有很多影片追求３Ｄ電腦動畫。

雖然並不是不好，

但手工因為花費長時間而顯得珍貴。

其實我覺得，幕後花絮還比廣告精彩！